¿Una nueva caza de brujas? Exhuming McCarthy - R.E.M.

 

(La imagen que os he puesto es de la película Fahrenheit 451, en el momento en que un informante anónimo introduce su denuncia en el buzón de los bomberos.)
Nací en los años 60 y, desde entonces, he vivido intensamente la música. Puedo decir, aunque sea en voz baja, que sé algo sobre lo que dicen muchas canciones y, a nivel ideológico, también conozco su contenido. Igualmente, sé qué son los mecanismos de censura, tanto aquí como en muchas otras partes del mundo, y conozco la persecución que muchos regímenes, entidades, instituciones y empresas intentan instaurar mediante denuncias anónimas o interesadas. Hoy, en el estado español, en pleno 2024, hay personas que, a base de denuncias de este tipo, quieren imponer una nueva inquisición y una nueva caza de brujas.
Recordemos la Inquisición: bastaba con que un vecino nos tuviera manía para que se activara el instrumento represor de la Iglesia católica, sin freno alguno. O la Revolución Francesa, cuando las listas negras que iban a la bañera de Marat se publicaban en su diario, y todos los que aparecían en ellas se convertían en carne de guillotina. O, más recientemente, la era McCarthy: si eras citado por el Comité de Actividades Antiamericanas, quedabas bajo sospecha, señalado por todos, y podías perder tu empleo.
No podemos seguir así, con elementos represores como los bomberos de Montag, que creen estar haciendo el bien mientras destruyen vidas, confianza y convivencia. Y todo porque algunos exaltados enarbolan sus execrables discursos como bandera. La canción que os pongo es la que me viene a la mente cuando veo personas que pretenden reinstaurar los autos de fe.

 

Hoy hace 30 años: Monster - R.E.M. 1994, un gran año para la música

Nadando en arenas movedizas

Otro álbum paradigmático que cae y que fue importante para mí, porque me marcó, incluso tengo el recuerdo de que la primera vez que escuché partes de este disco fue en la Virgin Megastore de Barcelona y que allí mismo lo compré. A principios de este año, cuando comencé a programar los álbumes que saldrían en esta serie, tenía en mente ser muy crítico con este trabajo, pero de momento no lo seré tanto, ya que entiendo mejor la intrahistoria de la producción del disco y también se comprende lo que estaba ocurriendo con la banda. Antes de tirarnos de cabeza, os recomiendo el artículo que hice junto con Midas del blog EXQUISITECES (➜ AQUÍ), donde se hace un análisis en profundidad de casi toda la carrera de la banda de Athens: R.E.M.: CRÓNICA ACELERADA (➜ AQUÍ).
Después de hacer dos álbumes, de los mejores de la década de los 90, como son Out of Time y Automatic for the People, R.E.M. querían volver a la carretera con un nuevo álbum. Estábamos en la época del pico del grunge y lo que nunca deberían haber hecho es alinearse con lo que se estaba haciendo. No, el presente álbum no es un regreso a los días del Green, que habría sido quizás un camino mucho más exitoso y seguro. Pero lo que construye la banda de Athens a partir de este trabajo hasta Reveal es una reubicación de todos los parámetros, replanteándose hacia dónde ir y sobre todo, creo que una de las razones de por qué querían dar un giro tan drástico es precisamente que sus dos discos anteriores no les lastraran a la hora de avanzar en su carrera, algo que no terminaron de lograr, como veremos más adelante.
Es por eso que no es un disco exitoso. Diríamos que los objetivos se alcanzan solo a medias; tenían ganas de experimentar y de reencontrarse con su faceta más rockera, evidentemente, no solo querían rockear pero tampoco dar un salto al vacío. Querían probar cosas nuevas y es normal que haya puntos imperfectos, construcciones que tambalean y también hay aciertos. Además, la grabación estuvo marcada por la muerte de Kurt Cobain y de River Phoenix, a quien dedican este trabajo.
Sorprende que después de rozar la perfección tanto estilística como musical, aquí comienzan a fijarse demasiado en las cosas del famoseo, dándose el lujo de escribir canciones estúpidas, mezclándolas con temas muy serios. Incluso estéticamente cambiaron: Michael Stipe, a partir de aquí, luciría la cabeza rapada y Mike Mills se dejó el pelo largo y comenzó a lucir trajes llamativos. Demos un repaso a la lista de canciones.
Cuando lanzaron el single "What's The Frequency, Kenneth?" no me impresionó en absoluto, de hecho, me sonaba a una canción típica de R.E.M. Personalmente, y aún hoy en día, no le encuentro la gracia ni me dan ganas de escucharla. Encima, trata sobre un incidente con el presentador de televisión Dan Rather, quien fue agredido por unos desconocidos mientras repetían el título de la canción, sin que nada tuviera sentido. Según declaraciones de Michael, el tema es un aviso a la gente madura que no se entera de lo que está pasando. Solo nos faltaba eso, que se pusieran moralistas, en fin...

What's The Frequency, Kenneth? - R.E.M.

La primera vez que escuché "Crush With Eyeliner" me encantó cómo sonaba la guitarra, con ese efecto trémolo del pedal Boss TR-2, incluso me planteé comprarme uno cuando tenía la banda. Con el tiempo, aunque encuentro interesante cómo Peter Buck hiló el efecto, todo lo demás, pfff. Empezando por la letra, absurda, parece una sobrada típica de Michael y terminando con el videoclip, donde aparecen unos japoneses haciendo payasadas y que les debería importar cero lo que hacen Berry y compañía.

 

Crush With Eyeliner - R.E.M.

 

A partir de aquí, el álbum mejora con tres temas que son bastante acertados y que, en mi visión personal, son el armazón en segundo plano que aguanta todo el álbum y que, por suerte, tienen ecos de los R.E.M. más clásicos. "King of Comedy" es como pienso que deberían haber funcionado las cosas, con un ritmo imparable y un sonido grueso, con las guitarras de Buck acompañando y saturando los beats, Michael con la voz tratada y la voz femenina haciendo de réplica y suavizando el conjunto. Y esa pausa en los beats que hacen poco antes del final con ese arpegio es simplemente sensacional.

King of Comedy - R.E.M.

"I Don't Sleep, I Dream", un medio tiempo majestuoso, como solo los R.E.M. saben hacer, incluso aquí el falsete de Michael en el estribillo le queda bien. La letra es una relación de tira y afloja, donde están presentes los sueños y también todo lo que se puede imaginar que se hace en la cama.

 

 I Don't Sleep, I Dream - R.E.M.

Con "Star 69" recuperamos a la banda que sabe hacer un tema saltarín, ágil, algo que quedó entre el Document y el Green y aquí Michael, en la letra, quejándose y repasando una lista de acusaciones sobre alguien que le puteó fuerte.

 

Star 69 - R.E.M.

En este tramo, el álbum vuelve a zozobrar, con buenos y malos momentos. "Strange Currencies" es uno de los temas más aburridos que han hecho jamás, lo sorprendente es que saliera como single; al igual que "Tongue", una tontería en las letras de Michael, haciendo todo el tema en falsete y con un irritante órgano que, por experimentar me vale, pero para nada más. Es una canción que, una vez la has escuchado, no quieres volver a encontrarte con ella. "Bang and Blame" también fue single, un tema que ni fu ni fa, tiene un punto poderoso en el estribillo y un buen solo, pero nada más. Con "I Took Your Name", vuelven a utilizar el sonido del pedal de guitarra Boss TR-2 que ya lo usaron antes en "Crush With Eyeliner", pero en este corte todo está mucho más compacto, suena más poderoso en la hora de construir la melodía, siendo uno de los temas que más me gustan del Monster.

 

I Took Your Name - R.E.M.

"Let Me In" es el tema que dedicaron a Kurt Cobain. Musicalmente me aburre, esa guitarra distorsionada todo el rato suena como una lavadora centrifugando, aunque el órgano aquí está estupendo, tiene un aire triste que acompaña muy bien a la letra, que es donde realmente reside el valor de este tema; es como si Kurt hubiera dictado las palabras a Michael.

 

Let Me In - R.E.M.

 

Y "Circus Envy", un tema potente que chisporrotea como un cable pelado en una bañera. Si hubieran puesto dos temas más en la misma línea que este, el álbum habría ganado. Sin duda es una tonada teletransportada de los días de Green, de guitarras pesadas y del porqué esta banda fue grande.

 

Circus Envy - R.E.M.

Hasta hace poco no me enteré de por qué este álbum no es, ni tiene la altura de trabajos anteriores y es que la banda estuvo a punto de separarse en un momento dado y tal vez les costó más de lo que les habría gustado. El peso de Out of Time y Automatic for the People era demasiado, de hecho, en su siguiente álbum, New Adventures in Hi-Fi, muestran la parte que más les escoraba y era una continuación natural de esos dos trabajos mencionados y cuya influencia ya no les dejaría en el resto de su carrera.
En febrero de 1995 asistí al concierto que ofrecieron R.E.M. en el Palau Sant Jordi de Barcelona, en su primera actuación en tierras catalanas y me decepcionó mucho que Monster fuera el hilo conductor del setlist, cuando es un trabajo con altibajos y temas que más bien deberían estar en el cajón de los temas experimentales, dejando en el tintero, muchas canciones clásicas que en esa ocasión no quisieron tocar. Qué le vamos a hacer...

Hoy hace 30 años: Cracked Rear View - Hootie & The Blowfish. 1994, un gran año para la música

Encontrar el terreno fértil y recoger la mejor cosecha

Es interesante encontrarse con un álbum como este y que vendiera lo inimaginable. Hasta hace pocos días, tenía mis dudas sobre incluir este álbum entre los trabajos más prominentes de 1994, pero al volver a escucharlo, a pesar de algunas dudas, al final decidí incluirlo. De hecho, grupos muy parecidos a Hootie & The Blowfish, como Edie Brickell & New Bohemians o River City People, unos años antes ya habían aterrizado en nuestro imaginario y ni se acercaron a las ventas de nuestros protagonistas de hoy. Y si me permitís mi humilde opinión, hubo dos circunstancias que los catapultaron mucho más allá de las expectativas más optimistas. La primera es que ya llevábamos unos años de guitarras desbocadas e hirientes, de letras depresivas y deprimentes y la gente estaba más que saturada de negatividad y frustración. La segunda, una obra como Automatic for the People clarificó a muchos que ese era la via a seguir, es decir, la senda acústica, el predominio de las guitarras atmosféricas y toda la serie de MTV Unplugged no hizo más que ratificarla. Obviamente, el grupo de Darius Rucker llevaba muchos años girando y no siempre la respuesta del público potencial fue la más pertinente, pero llegaron al estudio para grabar con los temas muy trabajados. Este primer disco tiene una influencia muy clara de Simon & Garfunkel (esas guitarras acústicas, los coros inmaculados, los ligeros toques eléctricos), Tom Petty and The Heartbreakers y por supuesto, ellos mismos nombran a R.E.M. como una de sus máximas fuentes de inspiración.
Hagamos un repaso a algunas de las canciones que se incluyen en este disco, que comienza con "Hannah Jane", un power pop de "toda la vida" y el despliegue más eléctrico en todo el álbum, un tema que te abre la puerta, pero que no ha hecho variar el rumbo de la galaxia. Y llegamos a la canción que los hizo conocidos por todos, que es "Hold My Hand", a la que se le pueden reprochar muchas cosas, pero es un tema honesto, que llega al corazón, donde tenemos un órgano dylaniano y un estribillo y unos coros extraordinarios que habrían firmado los mismos Simon & Garfunkel, pero la letra es lo que definitivamente decanta la balanza, un texto de soporte y esperanza que muchos necesitábamos y ahí nuestros amigos dieron en la diana.

Hold my Hand - Hootie & The Blowfish

 

El disco avanza con "Let Her Cry", donde continúan con el órgano dylaniano en el fondo, un tema lento con un contrapunto eléctrico en el solo y es una canción totalmente contraria a la anterior, aquí plantean una ruptura, dejar ir una relación que ya no funciona. Con "Only Wanna Be With You" describen un amor con dos visiones de la vida, con un medio tiempo con ritmo y que transmite buenas vibraciones.

 

Only Wanna Be With You - Hootie & The Blowfish

 

En "Running From an Angel" hacen una buena combinación de violín, percusión y guitarra eléctrica y nos describen una situación de ruptura con despecho incluido, pero a pesar de eso, aún lanza una última frase, en la que a pesar de todo la sigue amando.

 

Running From an Angel - Hootie & The Blowfish

Una canción que te pone el corazón en un puño es "I'm Goin' Home", donde describe la muerte de la madre de Darius de forma cruda y a la vez espiritual, con un doble sentido de volver a casa tanto para el cantante como para la madre. Emoción es decir poco de este tema.

 

I'm Goin' Home - Hootie & The Blowfish

 

Como he dicho antes, este álbum tuvo un éxito desbordante, premios a raudales y un inicio de carrera más que prometedor. Desafortunadamente, todo se iría desinflando. El segundo álbum vendió bien, pero ni de lejos como el disco que comentamos hoy y a partir de ahí el camino fue cuesta abajo en los próximos trabajos que lanzarían. En 2018, tras 10 años de separación, han vuelto a la carretera y continúan recordando este álbum, que hoy cumple 30 años.

Hoy hace 30 años: Throwing Copper - Live. 1994, un gran año para la música

La vida, la muerte y volver a la vida

Recuerdo cómo explicaron el título de este álbum, parece que algunos miembros de la banda utilizaban herramientas para lanzar proyectiles de cobre como un juego de adolescentes, a gente que los intimidaba, de travesuras que iban más allá. Amigos, estamos ante uno de los grandes álbumes de aquel año, con un montón de cortes que eran potenciales singles, con gente muy joven que se encontraron de repente, que a partir de ese año serían referentes para miles. Hagamos un poco de historia. Un grupo de amigos y conocidos de York, Pensilvania, Patrick Dahlheimer (bajo), Chad Gracey (batería), Chad Taylor (guitarras) y Ed Kowalczyk (voz principal, guitarras) inician la banda a mediados de los 80 y logran grabar un primer EP y al año siguiente lanzan el Mental Jewelry, que fue producido por un viejo conocido, Jerry Harrison, exmiembro de Talking Heads. Con este álbum comienzan a hacerse grandes y será con el álbum que hoy os presento su salto definitivo, una mezcla explosiva de comercialidad, conciencia oriental y con elogios de la crítica que los tildaban de unos nuevos U2 o unos nuevos R.E.M., que desafortunadamente no sería así. Hagamos un poco de repaso a este álbum.
El álbum se inicia de forma majestuosa con "The Dam at Otter Creek", con unos primeros compases líquidos y lejanos, con un crescendo con Ed aullando, la canción podría hablar sobre los juegos y las travesuras que se hacen de joven y que no siempre se sale vencedor o feliz, es como una reflexión sobre la inconsciencia de cuando empezamos a dar los primeros pasos en esta vida.

 

The Dam at Otter Creek - Live

Yo creo que "Selling the Drama" es el tema más famoso de esta banda; por el mensaje que transmite, incluso personalmente tengo mi teoría, parece ser la antítesis de lo que decían los Nirvana en sus letras y es muy fácil, solo tenéis que confrontar las letras de unos y otros y veréis de dónde sale esta reflexión propia. Es un corte donde se incita a la superación a pesar de las cicatrices y las putadas, las humillaciones y el dolor que conlleva vivir en ese mundo, salirse como individuo y alejarse de actitudes gregarias. Uno de los grandes temas de aquel inolvidable 1994, un éxito instantáneo, solo tenéis que ver la reacción algunos de los que escuchan este tema por primera vez, es la misma que teníamos nosotros entonces.

Selling the Drama - Live

Otro éxito, otra canción irresistible es "I Alone", también es una tonada con varias lecturas, por una parte quizás una canción de amor, como también y que en "Selling the Drama" se incide también en ello, que se debe tener amor por uno mismo y poder sortear el destino y no quedarnos con los impulsos primarios o ilusiones adolescentes.

I Alone - Live

Para mí, "Lightning Crashes" es la cima de este álbum y quizás de toda la carrera de Live, definitivamente te sumerge en límites paradójicos que en el siglo XX nos abocaban a reflexionar sobre ello. El tema se basa en una chica conocida de la banda que murió en un accidente por culpa de un conductor borracho y que gracias a la donación de sus órganos, mucha gente pudo vivir. Unos que viven, otros mueren, te hacen pensar mucho, porque de forma cercana o lejana, todos hemos visto vidas segadas muy pronto. Un tema que es emoción pura, un videoclip que nos traspasa a todos el corazón.

Lightning Crashes - Live

Con "All Over You" nos invitan a estar en comunión con nuestro entorno, con sus flujos y reflujos, muy en sintonía con el pensamiento de Ed, un estudioso de las filosofías orientales. Otro tema ganador y carismático.

All Over You - Live

A partir de aquí el álbum levanta el pie del acelerador, pero que mantiene el tono con "Shit Towne", donde plasma la situación de estar rodeado de gente con adicciones, donde las calles se transforman en estercoleros y que el autor quiere escapar como sea.

Shit Towne - Live

Live con "T.B.D." hace un ejercicio más que diligente, donde las guitarras se acercan mucho a los U2 del 1987, con un tono calmado y susurrante hasta que desemboca en la parte final con Ed gritando a todo pulmón. En "Stage" es todo lo contrario, un tema rápido y urgente donde la banda va a toda velocidad. Con "Waitress" es como nos ilustran el trabajo mal pagado, la miseria que es tener que arrastrarse por los malditos billetes. Como curiosidad, se da la circunstancia que Ed interpretó a un camarero en la película "El club de la lucha" del 1999.

Waitress - Live

Nuestros amigos de Live continuaron en 1997 con Secret Samadhi, que a pesar de hacer unos buenos números ya no se acercaba ni de lejos con toda la épica del disco que hoy os he comentado. Con todo, Live continuó grabando, con trabajos recomendables, incluso el año 2008 grabaron en el Paradiso de Amsterdam un gran directo como ya os comenté (➜ AQUÍ). Después han venido peleas entre los miembros, Ed se quedó con todo y expulsó al resto de componentes, pero con una reunión no hace demasiado de los miembros originales. La vida da muchas vueltas y tampoco nuestros amigos músicos no la esquivan. ¡Disfrutadlos!

Hoy hace 30 años: Hips and Makers - Kristin Hersh. 1994, un gran año para la música

Caminando de puntillas entre la genialidad y la locura

A una semana de que se cumpla la fecha de los 30 años, estoy escribiendo de madrugada sobre un álbum sorprendente por su intimidad y sobriedad, pero sobre todo, por su tono poético y acústico, en una década marcada por la electricidad, por las emociones desatadas, por el uso desenfrenado de drogas en el universo musical y no exageraré las bondades de este álbum, solo quiero que quien lea estas palabras tenga un momento de recogimiento, que retroceda en el tiempo, donde los espacios, los aromas, los pequeños gestos eran percibidos y tenían su importancia. Kristin Hersh ya tenía una larga carrera musical con Throwing Muses cuando en 1994 debutó en solitario con este álbum, del cual ahora desgloso algunos temas.
¿Qué decir de "Your Ghost"?, un corte que rezuma por todos sus rincones genialidad, con pocos acordes, con un acompañamiento casi imperceptible de percusión, con un chelo más que brillante que acompaña y hace contrapunto a la guitarra y a la voz, con la destacada ayuda en el estribillo y en los coros de Michael Stipe, que cuando tiene el punto moderado y mínimo es cuando con más excelencia hace su trabajo. Quisiera destacar que tal vez con esta canción, en la travesía vital de Michael, fue como una última actuación íntima y contenida que venía de los tiempos de Green, se amplió a Automatic for The People y aquí fue la última vez que lo vemos incluso con cabello y sin extravagancias. A partir de octubre del mismo año, todo cambiaría. Volviendo al tema, las imágenes de acompañamiento rozan la perfección al describir el espacio, las acciones, toda la nostalgia que transmite Kristin; decir que el videoclip estuvo inspirado y también rinde homenaje a la película experimental de 1943 "Meshes of the Afternoon", dirigida por Maya Deren y Alexander Hammid. Personalmente, creo que es uno de los mejores videoclips de ese año. 

Your Ghost - Kristin Hersh

El álbum avanza con más radicalidad acústica con "Theth", con rastros de alineación en la letra, yendo a bandazos, pero con toda la fuerza que impulsa el triste relato de dos personas que no se soportan. En "Houdini Blues" vuelve a estar acompañada por el chelo haciendo un trabajo magnífico y donde en la letra establece un paralelismo con las habilidades del ilusionista, acróbata y escapista Harry Houdini, de querer liberarse de unas cadenas pero llevandolo todo al imaginario de Kristin. 

 

Houdini Blues - Kristin Hersh

"A Loon" es una de las canciones destacadas de este trabajo, con un trabajo portentoso del cuarteto de cuerda que catapultan a Kristin en las líneas, donde la locura, la paranoia, están bien presentes y dónde no faltan los dobles significados. También es un tema dividido en dos, una primera parte enérgica y potente para luego frenarse y calmarse, ¡simplemente genial! Os dejo aquí una versión un poco diferente a la versión del álbum, extraida de su EP, Strings. 

 

A Loon - Kristin Hersh

Con "Me and my Charms" nos devuelve al terreno de sentimientos encontrados de una pareja, del quiero y no quiero, de la repulsión al encadenamiento, muy en la tónica de todo el trabajo, otra pieza clave del álbum y magníficamente resuelta.  

 

Me and my Charms - Kristin Hersh

"The Letter" es una carta en una canción, de forma casi literal, quizás es el corte más descarnado y desesperado, donde todos los elementos del entorno que hemos encontrado en "Your Ghost" son aquí fielmente retratados, además de la angustia y la tristeza al escribir una carta nunca enviada. Cerrando este conjunto de tonadas tenemos la que da nombre al álbum, donde después de todo el revoltijo de emociones, aquí desemboca de forma tranquila, es una letra de aceptación, incluso diría de rendición, de que la protagonista ha renunciado a luchar y acepta su destino y que deja un regusto amargo, sin duda.  

 

Hips and Makers - Kristin Hersh

Podría decir que todo el álbum destila un punto de tristeza, de alienación, de esperanzas frustradas, pero como si lo hiciera en un entorno ideal, incluso infantilizado, pero no de una forma ligera o sin importancia, no, aquí hay seriedad y sobre todo, mucha sensibilidad al tratar temas muy espinosos como la locura, la soledad o las relaciones tambaleantes de pareja. Pero sobre todo, es un magnífico trabajo. ¡Gracias, Kristin!

El juego de la fama y las circunstancias contractuales

Cuando leías la prensa musical de antaño, una de las cosas más comunes que te encontrabas era cómo manejaban la fama nuestros héroes musicales y la mayoría de las veces la cosa no era nada positiva, como podeis imaginar. Y, por supuesto, las compañías discográficas estaban en el punto de mira de sus críticas. Nadie se imaginaba el panorama que nos encontraríamos hoy en día y muchos, seguramente al verlo, desearían retroceder en el tiempo y aceptar ciertas condiciones. En mi opinión, podrían haberse quedado con eso en su interior, pero hay que reconocer que algunas de las canciones que he elegido son casi patrimonio cultural de la humanidad, y también debo reconocer la valentía y el empuje de estas personas a la hora de expresar lo que sentían y decirles a la cara de los directivos de las grandes compañías lo que pensaban. Hagamos un breve repaso.

Fish, el cantante y letrista de Marillion, sufrió mucho la fama, y de hecho, la canción "Incommunicado" parece una burla comercial e intencionada de todo lo que llevaba mal del negocio. Musicalmente, la canción es un desastre, quizás uno de los momentos más bajos de esta banda que finalmente terminaría con la salida del cantante escocés.

Incommunicado - Marillion

Continuamos con los amigos de Athens, donde Michael Stipe reflexiona sobre cómo afronta el mundo de la fama y cómo lo afecta, de manera triste y al mismo tiempo alienada. 

E-Bow The Letter - R.E.M.

Es conocido el gran problema que tuvo The Smiths con su compañía discográfica, Rough Trade, que era demasiado pequeña para una banda como ellos. Y en la letra encontrareis de manera metódica y milimétrica el retrato de su devenir con la empresa.

 Paint a Vulgar Picture - The Smiths

En palabras de Ian Astbury, el cantante de The Cult, el período en que concibieron su álbum Beyond Good and Evil fue un descenso a los infiernos, como expliqué al final de otro de mis artículos (➜ AQUÍ) Afortunadamente, supieron ver que era una operación de la discográfica para exprimir a la banda y se desvincularon de la compañía. Y en esta canción, la letra parece reflejar toda su lucha.

War (The Process) - The Cult

Este tema de Pink Floyd es un gran clásico y, al mismo tiempo, un documento histórico, sobre cómo se las gastaban las compañías con las bandas y el trato paternalista y aprovechado que dispensaban.

 Have a Cigar - Pink Floyd

Un escándalo que hizo correr ríos de tinta fue la negativa de EMI a publicar el primer álbum de los Sex Pistols y, obviamente, Johnny Rotten y su familia no se abstuvieron de tirar toda la mierda posible contra ellos. 

EMI - Sex Pistols

Mike Oldfield, cuya relación con la compañía y, para más aclaraciones, con el jefe de Virgin, Richard Branson, ha sido de amor-odio y odio a muerte, para luego hacer un documental en el que aparecen los dos como amigos de toda la vida. En el álbum Amarok, Mike llegó a insultar personalmente a su jefe de forma directa, con la indirecta de hacerlo en morse. O como la canción que te dejo abajo, donde califica las condiciones contractuales como tortura y esclavitud. ¡Ya me dirás qué opinas!

Shadow OnThe Wall - Mike Oldfield

Hoy hace 30 años: Metallica (The Black Album) - Metallica. 1991, un gran año para la música

El triunfo de la máquina de metal

Saludos, amigos. Tengo que ser sincero, de esta banda no soy un fan acérrimo ni de lejos, pero reconozco el valor, la calidad y la audacia de esta banda de San Francisco. Y como no podía ser de otra manera, este post, como los otros que he hecho en este especial sobre los grandes álbumes del 1991, debo remarcar sin lugar a dudas que este disco es excepcional también, a pesar de los pesares que mucha gente poco abierta puede verter sobre la banda. Conozco la trayectoria, conozco muchas canciones anteriores al trabajo que hoy nos ocupa y por eso me centraré en este disco, porque al igual que los R,E.M. con el Out of Time, (os dejo mi artículo ➜ AQUÍ) el álbum negro ha sido el punto de inflexión más importante en la trayectoria de Metallica y que ha condicionado el resto de su carrera, sobre todo en los 90. Os hago un breve repaso de algunas canciones que contiene el disco..
"Enter Sandman", que decir de este magnífico primer single? Pues que es la mixtura perfecta entre potencia devastadora y comercialidad, con un solo al estilo wha-wha que tanto le gusta a Kirk Hammet. Y no sólo es la canción más prominente de la banda californiana, es todo un referente de la música hecha en los años 90, sin ningún tipo de discusión. Aquí se tratan los terrores infantiles, las pesadillas, el miedo a lo desconocido cristalizado en "El hombre del saco" de América como es "el hombre de arena".

Enter Sandman - Metallica

 

"Sad but True", tema lento, pero que es tan incuestionable y majestuoso como una marcha militar. Todo otra canción puntera de este álbum. "The Unforgiven" un tema que tiene la intención de balada, que se transforma en un medio tiempo y que desagua en un magnífico solo aderezado por un entorno bien duro y pesado. Maestría total en las acústicas, en las melodías vocales, en todo el enfoque de la composición, con una letra brutal, amarga, pero clara como el cristal como es el maltrato infantil, como lo hizo en Miguel Hernández en el poema "El niño yuntero" y también es deudora del "Working Class Hero" de John Lennon. Este tema tendría también continuidad en álbumes siguientes de Metallica. 

 

The Unforgiven - Metallica

 

 

"Wherever I May Roam", que se inicia con una intro de sitar y un envoltorio oriental, que pasa a parámetros lentos, pesados, típicos de esta banda y marcha directo con un ritmo contundente, pero jugando también, con interludios y puentes, quizás un punto en su contra y que por ello no ha sido tan recordada, pero para mí es brillante y con un solo increíble de nuevo, donde la letra nos habla de la vida errante, de un continuo divagar, ir por el mundo y dormir en el primer lugar donde puedes encontrar cobijo.

 

Wherever I May Roam - Metallica

Si hemos hablado antes que "Enter Sandman" era uno de los singles más reconocibles de los 90, una de las baladas que también se merece estar entre las mejores de esa década es "Nothing Else Matters", como fue el "Still loving you" de los Scorpions en los 80. con un ritmo lento, pero contundente, con una batería rodeando todo el tema y secundado por una orquesta de fondo. Una de las cimas de la carrera de Jason Newsted y compañía 

 

Nothing Else Matters - Metallica

Decir que con este álbum, Metallica se convirtió en la banda de metal más famosa, aclamada y reconocida el planeta y dedicaron muchos meses en hacer una gira bien extensa por el mundo y que fue reflejada en el álbum en directo Live Shit : Binge & Purge y luego, para mí, un periodo negro que les duró unos 10 años, con los álbumes Load y Reload, que no son malos trabajos, pero que implicaron sonoridades alejadas de sus discos más clásicos, produjo extrañeza y muchos fans clásicos los abandonaron y luego vino el St. Anger, donde es sabido por todos que la mezcla final de las baterías fue un desastre, sólo hay que reseguir la videografía y ver lo pesado que es el señor Lars Ulrich en la producción y luego eso pasa factura. Disfrutad conmigo, en negro y brillante!

Hoy hace 30 años: Out of Time - R.E.M. 1991, un gran año para la música

Intro

Que hay de nuevo? Como he dicho en alguno de los articulos, mi regreso a EL PROFETA ESTUDIANTE está siendo muy nostálgico y quizás este año lo será uno más, porque con el de hoy empiezo una serie de posts en homenaje a un año inolvidable y que abarcará algunos meses de este año. Considero 1991 en el ámbito musical como decisivo, quizás no en la cantidad pero si en la calidad y a nivel emblemático. Diría aún más. En el mes de septiembre de ese año se dio la circunstancia de que separados por muy pocos días, se lanzaron álbumes que marcarían la década en toda su extensión y aún hoy se pueden notar sus efectos. Haré un post de cada álbum en el día de su lanzamiento, el día que se cumpla su 30 aniversario. Empecemos!

El día que comenzaron los 90

Mucho se ha escrito sobre este álbum y lo primero que haré es daros un enlace a un artículo dedicado a la carrera de los R.E.M. que escribí el año 2011 de manera conjunta con Midas del blog EXQUISITECES en el artículo R.E.M.: CRÓNICA ACELERADA (➜ AQUÍ) y donde por supuesto hacemos análisis del trabajo de los de Athens de aquel año.
Hablaré de este álbum de una manera un poco más personal, soy una persona que tiende a recordar músicas y sus circunstancias y este álbum no sería menos. De aquellos días recuerdo que el mes de febrero aterrizó en nuestras vidas el single "Losing my Religion" y como es natural pegó muy fuerte en la radio y también los programas dedicados a la música, que en aquella época aún había que informaban sobre la actualidad musical tanto en TV3 como en TVE. Recuerdo perfectamente que por entonces yo trabajaba de transportista y un día de aquel año, supongo que debía ser en abril o mayo, entré en una tienda de Girona a realizar una gestión y en el mostrador de recepción, como si se tratara de alguna extraña señal divina, allí estaba un ejemplar del álbum en formato CD y seguro que solté una sonrisa.
Esta colección de canciones hizo variar totalmente la trayectoria de los R.E.M. sin lugar a dudas, aparte de que se diferencia muy bien de su carrera anterior y también, marcó el resto que les quedaba hasta su separación en 2011

 Near Wild Heaven - R.E.M.

La banda de Michael Stipe ya la conocía, años antes ya había escuchado y había visto los videoclips de todos los singles de su anterior trabajo Green. Pero el "Out ..." me impulsó a buscar en el resto de su producción y me influyó mucho a la hora de montar bandas de música. El mal fue, que en las comarcas gironines los R.E.M. no despertaron en general ningún tipo de interés, las coordenadas musicales de entonces que se seguían eran muy claras, muy firmes y todo el mundo me miraba mal cuando mentaba a la formación de Peter Buck como una de mis principales influencias, que le haremos, no podia poner d'acuerdo a todo el mundo ...
Encuentro que el álbum es una colección de canciones que ha envejecido de forma fantástica, no sobra ni falta nada y como bien digo en el artículo que os he enlazado es un prodigio de producción que sería muy imitado.
Os dejo una de mis canciones favoritas del álbum, que a pesar de no ser single, sí en cuanto a letra y de música considero que fue una de las cimas en la carrera de nuestros amigos americanos. DISFRUTAD DE LA MÚSICA Y FELIZ CUMPLEAÑOS!!

Country Feedback - R.E.M.

Gracias por la música, R.E.M.

 

Supongo que la mayoría de vosotros ya sabéis la noticia que ha inaugurado este otoño, la separación de los R.E.M. Para muchos de nosotros, los amigos georgianos eran el mínimo común denominador, la surgencia alternativa que machacó los mercados, pero lo hizo forma serena, sin aspavientos, con una fuerte carga política a veces, y en otras, con dolor y nostalgia. Los verdaderos fans no hemos lamentado su separación, no habrá una ola masiva de llamamientos para que no se separen. Los R.E.M. hacia mucho tiempo que parecían enrocados en su estilo y que lo mejor de su música ya lo habían dado. Era como el viejo amigo, que celebras sus éxitos, pero su música ya tenia un toque menguante, lo que en el principio era un trazado sereno y tranquilo, sus últimos trabajos tenían un patina acelerada y atropellada, con demasiadas miradas hacia atrás. Sobre su discografia, ya dije lo que pensaba en el articulo que escribí junto a Midas en su blog Exquisiteces:

R.E.M.: Crónica acelerada 

Os dejo con este tema, crepuscular, nostálgico, pero que también celebra el amor. Gracias por la música, R.E.M.

Electrolite - R.E.M.

¡Hoy colaboro en el Exquisiteces!

El mes pasado el Midas del Blog Exquisiteces me propuso hacer una crónica en tándem de una banda crucial de los últimos años, R.E.M., que bien merecía el esfuerzo y que hoy ha salido publicada. Os dejo el enlace, ¡Que lo disfrutéis!

→ R.E.M.: Crónica acelerada

Driver 8 - R.E.M. Al infinito

Es curioso. Un servidor le tiene tirria a los números, pero haciendo recuento, ves que hay coincidencias, repeticiones que parecen increíbles, pero son bien, bien reales. Y a mí me toca el 8. Incluso cuando estaba en una empresa de transporte me tocó el 8 de numeración de chóferes (driver 8). Y celebrando la ocasión, os anuncio que El Profeta Estudiante quedará en stand by. Mi deseo más profundo es que vuelva, pero a día de hoy, el futuro es brumoso. Uno tiene el espíritu geminiano de hacer muchas cosas, de estar en mil fregados, pero con la edad tiendes a concentrar fuerzas, ir a lo esencial y el resto, dejarlo para más adelante.

Os pongo una canción que ha sido todo un emblema para mi. Un tema que a pesar de aparecer en el primer álbum en que los amigos georgianos bajaron un poco el nivel, tiene, en la canción que os presento, un deje de eternidad, de que el rock no todo son guitarras furiosas y desbocadas, sino que con un sereno y poderoso riff, se puede ir hasta el infinito y volver. Espero que os guste. ¡Que tengáis buena música donde vayáis! ¡Gracias por todo! ¡Hasta pronto!

Álbumes de una década sin nombre: The Invisible Man - Mark Eitzel (2001). Redención vía Pro Tools

Mark Eitzel. Buff. Como dice un amigo blogger, esto no lo aceptan los estómagos de todos los oyentes. Lo digo porque este señor puede ser la cosa más aburrida del mundo o encontrar, con un poco de suerte, por algún sitio la gracia.

También lo digo por propia experiencia. Y también por la cabezoneria del señor Eitzel. Me explico. Sus conciertos suelen ser de una aridez total, donde algunos saben extraer el máximo de la guitarra y la voz, el señor Eitzel naufraga estrepitosamente. Todo su cancionero parece igual, a veces con una afectación que podría igualar al Lluís Llach, y por supuesto, aunque haga broma con el público entre canción y canción, él interpone un muro infranqueable, donde las canciones, rara vez tienen respuesta por parte del respetable.

Aquí quisiera poner algo de opinión. Bajo mi punto de vista, los cantantes trabajan con canciones y estas, tienen que ser un todo, tanto la letra como la música (hablo aquí de la mayoría de canciones que se interpretan en el rock, folk, cantautor, pop, soul, obvio los músicos que fundamentan su repertorio con música instrumental), lo que el señorito Mark tanto le da, él quiere contar su historia, aunque la música se resienta.

Mark fue durante muchos años cantante principal de los American Music Club, un grupo con bastante prestigio en América, sobre todo en ámbitos alternativos, hasta que en 1993 decidieron disolverse. Y Mark empezo su carrera en solitario con álbumes como Caught in a Trap and I Can't Back out 'Cause I Love You Too Much, Baby o 60 Watt Silver Lining, donde tenemos nuestro amigo en su salsa, discos que ponen a prueba nuestra paciencia, ninguno de estos dos tienen un mísero single, alguna canción si que podemos encontrar que destaque, como por ejemplo "Cleopatra Jones", del último álbum mencionado. 

Para suerte de Mark, Peter Buck de los R.E.M. le ayudó en su álbum West, y se nota. Encontramos aquí canciones más amables y con más color: Pianos, acordeones, variedad en definitiva, temas más potables y todo está más equilibrado como en "Free of Harm" y "Then It Really Happens".
Y The Invisible Man fue su siguiente paso, y un acierto, al menos así lo creo. El señor Eitzel se encontraba sin banda a principios de década, y decidió comprarse un Mac y un equipo de Proo Tools (para los que no esteis familiarizados en estos términos os dejo un enlace →aquí y →aquí). Obviamente la jugada le salió muy bien, es un buen álbum que bascula acotado entre la música electrónica y algunas gotas de pop, country, rock y música de "songwriter".

Hagámos un pequeño repaso. Empieza con "The Boy With The Hammer In The Paper Bag", toda una declaración de intenciones, ritmos claramente maquinales, un piano resonante en la canción, y un "relleno" ambiental muy conseguido. Un, más que meritorio comienzo.

A pesar de este impresionante comienzo, el Mark no renuncia del todo a su vertiente más "songwirter" y afectada, temas como "The Global Sweep of Human History" o "Without You" así lo atestiguan, pero se salvan por la cuidada instrumentación y por el hecho de que sólo sean dos. "Bitterness", el tema más arriesgado y más electrónico del disco, sin embargo muy acertado.

"Sleep", un tema onírico y lo más ambiental del álbum. Resonancias, y más resonancias, flotar y flotar como decía Pennywise. "To the Sea", sin duda, el tema estrella, piano, guitarra, ritmos electrónicos, efectos ambientales, todo está sumamente equilibrado.

Y para terminar el repaso, "Proclaim Your Joy", un tema hecho en cinco minutos, utilizando tres acordes. Tiene que ser los temas con más marcha que habrá compuesto nunca y que tampoco tiene pérdida.

La carrera posterior de Mark ha sido bastante desigual, aunque al menos, ha experimentado, como hizo en su recopilatorio de versiones en Music for Courage and Confidence, bastante sui generis, donde encontramos una correcta interpretación del "Ain't No Sunshine" de Bill Withers. En The Ugly American, el señor Eitzel hace una reinterpretación de algunos temas de American Music Club con una banda de músicos griegos. También ha tenido tiempo de reunificar los American Music Club, sacando en 2003 el álbum Love Songs For Patriots y en el año 2007 The Golden Age.
Candy Ass del año 2005 fue un intento de retomar la senda de The Invisble Man, pero no tiene el nervio y la genialidad que logró en su antecesor. Y en este año presente ha sacado su último trabajo, Klamath, en la misma línea, pero peor aún, suena aburrido y sin ninguna concesión cara a la galería, como si todos los aciertos del disco que os he comentado hoy los esquivara intencionadamente. 

The Invisible Man,  creo que es un trabajo único y que no se volverá a repetir. Sin embargo el prestigio de Mark está asegurado y aunque musicalmente sus siguientes trabajos no son demasiado recomendables, al menos ha sabido arriesgar y no tener miedo de hacer cosas diferentes.