Perdonad la nota personal, pero es en esto donde la música muestra su grandeza: en que hay momentos asociados a canciones que recuerdas toda la vida. Y hablando de este álbum, recuerdo que estaba en Girona, esperando en una oficina para hacer una recogida, cuando sonó una canción de Nirvana, de su primer álbum, que no conocía. Era "About A Girl", y obviamente no tenía todavía aquel disco, me pareció una canción pop brillante. Sonaba en la emisora principal de aquellos días, donde prácticamente toda la programación eran canciones pop comercialoides y la asquerosa "música máquina".
About A Girl - Nirvana
Y sí, este concierto es deliberadamente el fin de una época. Sin duda, es un directo icónico, con mucho simbolismo crepuscular; los temas tienen un aire de despedida y de tristeza. Velas negras, lirios, Kurt como mascarón de proa de un barco que se dirigía hacia el iceberg. Hay un montón de versiones y temas de la banda no muy conocidos, y creo que hicieron bien en enfocar el concierto en esta dirección.
Jesus Doesn't Want Me For A Sunbeam - Nirvana
Hasta entonces, el tema "The Man Who Sold The World" de David Bowie era poco conocido, y hacía ya muchos años que el duque blanco no interpretaba esta canción. De hecho, cuando la banda de Kurt Cobain alcanzó el éxito, David se encargó de lanzar toda la mierda posible contra ellos, decía que habían saqueado todo el legado de los Pixies. Imagino que con esta interpretación, Kurt le devolvió la pelota ¡y de qué manera! Cuando Bowie vio cómo su canción se hacía conocida y, supongo, cuando le empezaron a llegar los royalties, su opinión cambió; se deshacía en elogios y tenía la intención de conocer a Nirvana, cosa que no estuvo a tiempo, como todos sabemos.
The Man Who Sold The World - Nirvana
Si miramos el set list, es como un testamento, como si deliberadamente nos estuviera dejando pistas de lo que le pasaba personalmente. Está "Pennyroyal Tea", señalando sus adicciones, "Come as You Are" como la premonición más fatal y "All Apologies", que creo que expresa cómo se sentía, atrapado y encarcelado en su relación.
Pennyroyal Tea - Nirvana
Y culminando este concierto histórico, una versión de "Where Did You Sleep Last Night" de Leadbelly, más sentida, más desgarrada, como nunca se había hecho antes y como quizá nadie más volverá a superar.
Where Did You Sleep Last Night - Nirvana
No sé, pero creo que toda una época musical a partir de ese año comenzó a tomar un camino de bajada, algo que no sabíamos, pero que ahora, tantos años después, vemos con claridad.
Otro álbum paradigmático que cae y que fue importante para mí, porque me marcó, incluso tengo el recuerdo de que la primera vez que escuché partes de este disco fue en la Virgin Megastore de Barcelona y que allí mismo lo compré. A principios de este año, cuando comencé a programar los álbumes que saldrían en esta serie, tenía en mente ser muy crítico con este trabajo, pero de momento no lo seré tanto, ya que entiendo mejor la intrahistoria de la producción del disco y también se comprende lo que estaba ocurriendo con la banda. Antes de tirarnos de cabeza, os recomiendo el artículo que hice junto con Midas del blog EXQUISITECES (➜ AQUÍ), donde se hace un análisis en profundidad de casi toda la carrera de la banda de Athens: R.E.M.: CRÓNICA ACELERADA(➜ AQUÍ). Después de hacer dos álbumes, de los mejores de la década de los 90, como son Out of Time y Automatic for the People, R.E.M. querían volver a la carretera con un nuevo álbum. Estábamos en la época del pico del grunge y lo que nunca deberían haber hecho es alinearse con lo que se estaba haciendo. No, el presente álbum no es un regreso a los días del Green, que habría sido quizás un camino mucho más exitoso y seguro. Pero lo que construye la banda de Athens a partir de este trabajo hasta Reveal es una reubicación de todos los parámetros, replanteándose hacia dónde ir y sobre todo, creo que una de las razones de por qué querían dar un giro tan drástico es precisamente que sus dos discos anteriores no les lastraran a la hora de avanzar en su carrera, algo que no terminaron de lograr, como veremos más adelante. Es por eso que no es un disco exitoso. Diríamos que los objetivos se alcanzan solo a medias; tenían ganas de experimentar y de reencontrarse con su faceta más rockera, evidentemente, no solo querían rockear pero tampoco dar un salto al vacío. Querían probar cosas nuevas y es normal que haya puntos imperfectos, construcciones que tambalean y también hay aciertos. Además, la grabación estuvo marcada por la muerte de Kurt Cobain y de River Phoenix, a quien dedican este trabajo. Sorprende que después de rozar la perfección tanto estilística como musical, aquí comienzan a fijarse demasiado en las cosas del famoseo, dándose el lujo de escribir canciones estúpidas, mezclándolas con temas muy serios. Incluso estéticamente cambiaron: Michael Stipe, a partir de aquí, luciría la cabeza rapada y Mike Mills se dejó el pelo largo y comenzó a lucir trajes llamativos. Demos un repaso a la lista de canciones. Cuando lanzaron el single "What's The Frequency, Kenneth?" no me impresionó en absoluto, de hecho, me sonaba a una canción típica de R.E.M. Personalmente, y aún hoy en día, no le encuentro la gracia ni me dan ganas de escucharla. Encima, trata sobre un incidente con el presentador de televisión Dan Rather, quien fue agredido por unos desconocidos mientras repetían el título de la canción, sin que nada tuviera sentido. Según declaraciones de Michael, el tema es un aviso a la gente madura que no se entera de lo que está pasando. Solo nos faltaba eso, que se pusieran moralistas, en fin...
What's The Frequency, Kenneth? - R.E.M.
La primera vez que escuché "Crush With Eyeliner" me encantó cómo sonaba la guitarra, con ese efecto trémolo del pedal Boss TR-2, incluso me planteé comprarme uno cuando tenía la banda. Con el tiempo, aunque encuentro interesante cómo Peter Buck hiló el efecto, todo lo demás, pfff. Empezando por la letra, absurda, parece una sobrada típica de Michael y terminando con el videoclip, donde aparecen unos japoneses haciendo payasadas y que les debería importar cero lo que hacen Berry y compañía.
Crush With Eyeliner - R.E.M.
A partir de aquí, el álbum mejora con tres temas que son bastante acertados y que, en mi visión personal, son el armazón en segundo plano que aguanta todo el álbum y que, por suerte, tienen ecos de los R.E.M. más clásicos. "King of Comedy" es como pienso que deberían haber funcionado las cosas, con un ritmo imparable y un sonido grueso, con las guitarras de Buck acompañando y saturando los beats, Michael con la voz tratada y la voz femenina haciendo de réplica y suavizando el conjunto. Y esa pausa en los beats que hacen poco antes del final con ese arpegio es simplemente sensacional.
King of Comedy - R.E.M.
"I Don't Sleep, I Dream", un medio tiempo majestuoso, como solo los R.E.M. saben hacer, incluso aquí el falsete de Michael en el estribillo le queda bien. La letra es una relación de tira y afloja, donde están presentes los sueños y también todo lo que se puede imaginar que se hace en la cama.
I Don't Sleep, I Dream - R.E.M.
Con "Star 69" recuperamos a la banda que sabe hacer un tema saltarín, ágil, algo que quedó entre el Document y el Green y aquí Michael, en la letra, quejándose y repasando una lista de acusaciones sobre alguien que le puteó fuerte.
Star 69 - R.E.M.
En este tramo, el álbum vuelve a zozobrar, con buenos y malos momentos. "Strange Currencies" es uno de los temas más aburridos que han hecho jamás, lo sorprendente es que saliera como single; al igual que "Tongue", una tontería en las letras de Michael, haciendo todo el tema en falsete y con un irritante órgano que, por experimentar me vale, pero para nada más. Es una canción que, una vez la has escuchado, no quieres volver a encontrarte con ella. "Bang and Blame" también fue single, un tema que ni fu ni fa, tiene un punto poderoso en el estribillo y un buen solo, pero nada más. Con "I Took Your Name", vuelven a utilizar el sonido del pedal de guitarra Boss TR-2 que ya lo usaron antes en "Crush With Eyeliner", pero en este corte todo está mucho más compacto, suena más poderoso en la hora de construir la melodía, siendo uno de los temas que más me gustan del Monster.
I Took Your Name - R.E.M.
"Let Me In" es el tema que dedicaron a Kurt Cobain. Musicalmente me aburre, esa guitarra distorsionada todo el rato suena como una lavadora centrifugando, aunque el órgano aquí está estupendo, tiene un aire triste que acompaña muy bien a la letra, que es donde realmente reside el valor de este tema; es como si Kurt hubiera dictado las palabras a Michael.
Let Me In - R.E.M.
Y "Circus Envy", un tema potente que chisporrotea como un cable pelado en una bañera. Si hubieran puesto dos temas más en la misma línea que este, el álbum habría ganado. Sin duda es una tonada teletransportada de los días de Green, de guitarras pesadas y del porqué esta banda fue grande.
Circus Envy - R.E.M.
Hasta hace poco no me enteré de por qué este álbum no es, ni tiene la altura de trabajos anteriores y es que la banda estuvo a punto de separarse en un momento dado y tal vez les costó más de lo que les habría gustado. El peso de Out of Time y Automatic for the People era demasiado, de hecho, en su siguiente álbum, New Adventures in Hi-Fi, muestran la parte que más les escoraba y era una continuación natural de esos dos trabajos mencionados y cuya influencia ya no les dejaría en el resto de su carrera. En febrero de 1995 asistí al concierto que ofrecieron R.E.M. en el Palau Sant Jordi de Barcelona, en su primera actuación en tierras catalanas y me decepcionó mucho que Monster fuera el hilo conductor del setlist, cuando es un trabajo con altibajos y temas que más bien deberían estar en el cajón de los temas experimentales, dejando en el tintero, muchas canciones clásicas que en esa ocasión no quisieron tocar. Qué le vamos a hacer...
Es innegable la influencia y el impacto en los años 90 que tuvo todo el movimiento iniciado en Seattle, incluso gente ya curtida y con mucha experiencia, se encontró en la tesitura de dar un giro en sus propios estilos para dejarse empapar por esta nueva corriente, en la mayoría de los casos el experimento no salió bien, por la sencilla razón de que no solo era aumentar las distorsiones de las guitarras o endurecer el discurso. Del señor Young obviaré su carrera, pero sí que me gustaría hacer mención que él, cuando le ha salido de los huevos, se ha sumergido en corrientes que se apartan del rock clásico, solo recordar que en los 80 quiso hacer de conejillo de indias y hacer pruebas con lo que le llevaba el instinto. En el año 1989, con el álbum Freedom, regresa a su sonido característico de los años 70 y que lo elevó al Olimpo del rock con el Rust Never Sleeps del 1979. A continuación vendría el Ragged Glory, donde afirmó más su mirada al pasado y después de un álbum en vivo nos vendría este Sleeps with Angels, donde nos sirve un álbum bien característico de él, pero también, donde aporta algunas sonoridades nuevas y también desafortunadamente, algún desacierto que ya comentaré. Y pone en marcha la máquina con un comienzo que nos deja muy extasiados, con esa intimidad de un piano honky tonk y donde el corazón es el que nos guía y también que nos hace dudar y que personalmente y como yo lo veo, es como me sentía aquellos días lejanos de mediados de los 90, con incertidumbre y de sueños que uno quería que se materializaran.
My Heart - Neil Young and Crazy Horse
El arranque de este álbum continúa con "Prime Of Life", donde salvo algunas partes de guitarra distorsionada, todo el tema transmite serenidad y un toque rítmico tranquilo, pero bien asentado, con una omnipresente flauta que pinta un leitmotiv a lo largo de la canciónn.
Prime Of Life - Neil Young and Crazy Horse
El tema que da título al álbum está dedicado a Kurt Cobain, que en la nota que dejó después de su suicidio, hizo mención de un tema bien conocido de Neil y él le dedicó en retorno este tema, que en las letras es como un cúmulo de instantáneas de lo que había sido su vida antes de que sucediera la tragedia..
Sleeps with Angels - Neil Young and Crazy Horse
He escuchado este tema y para mí y sintiéndolo mucho, "Change Your Mind" es uno de los temas más aburridos hechos por Neil. 14 minutos en los que nuestro amigo hace lo que le da la gana, tanto en las letras como en la interpretación, un estribillo que parece mal hecho a propósito, unos coros vergonzosos y no podían faltar un par de solos kilométricos. Me ahorro ponerlo y todo. Incluso me he molestado en ver qué opinaba la gente y es alucinante, comparando esta cosa al nivel de los temas incluidos en el Harvest o el Tonight's the Night. En cambio, en "Safeway Cart", todo está acertado a pesar de no ser un tema corto, con ese toque a dark country, el ambiente atmosférico, te introduce al instante en las grandes llanuras, a visiones de ciudades desoladas, a esa profundidad en blanco y negro que tanto reconocemos y a la que nos rendimos a sus pies.
Safeway Cart - Neil Young and Crazy Horse
Y "Piece of Crap", que es una patada furiosa y rotunda, rompiendo con la dinámica de un álbum con muchos temas tranquilos.
Piece of Crap - Neil Young and Crazy Horse
Resumiendo, esta colección de canciones en general es brillante, pero también tiene algunos recovecos un poco autocomplacientes y, por otra parte, con una trayectoria tan extensa como la del señor Young, es totalmente normal. Sleeps with Angels sirvió para engrasar aún más un rodar por los 90 más que meritorio para el viejo Neil, para recordar el ayer y el hoy, mirando dentro, mirando afuera.
A pocos días de que este artículo vea la luz, lo he vuelto a escribir y reescribir. Es muy fácil dejarse llevar por la "morbo" y la especulación recordando esos días de abril de 1994, apenas una semana después de que el esposo de Courtney Love decidiera abandonar este mundo y justo cuando el álbum que recordamos hoy salíera a la luz. Claro amigos, podemos ponernos como queramos, pero quiero centrarme en la música, lo que ha representado 30 años después y cómo la banda de esta señora supo renunciar a una parte de la agresividad que arrastraba su primer trabajo, construyendo melodías que han resistido sin problema alguno todo este tiempo. Todo el proceso de este disco estuvo rodeado de rumores y especulaciones constantes, de si superaba en calidad al hecho por Nirvana, si se había pagado mucho más, etc., etc. y más etc. y por supuesto, la señora Love los alimentaba, no hace falta ser un Freud para verlo y como dicen en algun sitio: "Por sus actos los conoceréis". Dejemos los chismes y vayamos a lo importante, a desglosar el segundo álbum de Hole, ¡vamos allá! "Violet", tema que da el pistoletazo de salida, donde ya encontramos una constante de todo el álbum, donde se entrelazan partes tranquilas con otras de rabia eléctrica y también en la voz, a veces calmada, otras, gritando. Y en este primer tema se combinan a la perfección.
Violet - Hole
"Miss World", fue el single de presentación y donde podemos replantearnos si es un tema comercial, en realidad nos presenta a Courtney frente al espejo, que para llegar arriba, tuvo que hacer sacrificios y una cierta tristeza supura por hacer como lo hizo, pero en realidad sabía que no había otra manera, pero que tampoco a nadie le importa.
Miss World - Hole
"Plump" es un rock acelerado que discurre entre un riff bastante potente y Courtney yendo a por todas, donde vislumbramos una primera referencia hacia Kurt Cobain, el hecho de ser madre y todo lo que conlleva. "Asking For It" es una power ballad que arranca con un bajo contundente y donde la señora Love no puede evitar gritar y como es la tónica del álbum, va alternando las partes más pausadas con las más desenfrenadas. Uno de los puntos culminantes de este álbum lo alcanza con "Doll Parts", donde la temática que nos mostraba en "Miss World" aquí nos la refuerza y expande, que "ella quiere quedarse con el trozo más grande del pastel", a pesar de estar expuesta y que todos la apuñalarán por ello. Hay muchas cosas que podría criticar de la señora Love, lo que es cierto es que ella se vuelca en lo que hace y nos lo muestra de la forma más real y descarnada.
Doll Parts - Hole
"Softer. Softest", la tonada más serena del disco, con nuestra protagonista autoinculpándose, donde la parte maternal cobra vida de nuevo y que de lecturas puede tener muchas, tanto en lo que se refiere a su hija como incluso con el último trabajo de Nirvana, donde la temática de bebés y lactancia también es abordada. "She Walks On Me" es un tema que me encanta y que al principio te sorprende porque se inicia con una intro psicodélica para luego poner la directa con una Courtney enloquecida y toda la banda siguiéndola de forma histérica y destructora.
She Walks On Me - Hole
Encarando la parte final nos encontramos con "Gutless", una descarga punk, donde Courtney se explaya con un mitin sobre la revolución, sobre qué cobardes somos, que ella estará jodida, pero tú, bajo su atenta mirada, lo estarás más. Y se cierra el disco con "Rock Star", la visión que tenemos ya de mayores sobre la escuela primaria o secundaria, aquí la protagonista parece llamar a la alumna que era para que escape del mierdoso ambiente que se respira. Hay que recordar que en una de las escenas más divertidas de la película de Bernardo Bertolucci, "Belleza robada", nos encontramos a Liv Tyler desgañitándose con esta canción.
Rock Star - Hole
En resumen, este es sin duda el mejor trabajo de Hole, donde hay un montón de temas muy merecedores de su revisión y podemos fiscalizar lo que ha hecho la señora Love, pero al menos tuvo el coraje de ser honesta y no ocultarlo, al contrario, lo grita durante toda esta magnífica obra. ¡Vuelve a escucharla y vuelve a disfrutarla!
Sí, amigos, hoy hace 30 años de la muerte de Kurt Cobain, alimentando la leyenda, las teorías de la conspiración y también la tristeza de miles. Recuerdo que por esas fechas había vuelto a casa después de pasar unos días en Andorra, Francia y los Pirineos, cuando esta noticia golpeó al mundo entero. Y desde aquí también quiero poner mi crítica hacia el especial que le dedicó el Canal 33, de la cadena catalana de televisión, donde algunos en lugar de lamentar la pérdida de un músico se dedicaron a destrozar la obra hecha como si fuera un error, algo mal hecho, diciendo que no sabía cantar, que no sabía componer, menudo atajo de cabrones. ¿Y qué tuvimos al final? Pues alguien que quería poner punto final a su sufrimiento, que le importaba poco lo que hacía porque ya no lo llenaba y eso sí que es triste, porque cualquiera, por más talento que se tenga, sabe que es luchar para que la creación propia vaya adelante, que alcanzar un nivel con un instrumento son muchas horas que te tienes que dedicar y además, muchos asuntos que son laterales a la música también te tienes que esforzar si quieres que tu proyecto tenga unas mínimas posibilidades.
Hoy hace 10 años que estando en Barcelona, en una avenida del Paral·lel en obras le dediqué un poema a Kurt, quería escribir con él, habiendo superado escalones en el tiempo, pero me fue imposible, porque un pensamiento, unas acciones, difícilmente se pueden imaginar más allá de una muerte. Al final pude rendirle homenaje con su visión, de una persona con 27 y no más allá, porque aunque algunos no hayamos alcanzado un éxito con lo que hemos hecho, sí que los años nos dan perspectiva, profundidad, un paisaje que no puedes ver con menos de 30. Pasa el tiempo y somos afortunados de haber formado algo vivo, vital como ha sido el rock, a pesar de los demonios que siempre lo han acompañado. Caminemos y vamos en busca de algo en el camino. ¡GRACIAS KURT, POR LA MÚSICA!
Hola amigos, esta es la tercera y última entrada de este día, que literalmente removió toda una década y ya desde un principio. He pensado mucho como encarar uno de los álbumes definitivos de la historia de la música y la verdad no tengo ganas de reseguir las vivencias, el recorrido de esta banda, más que nada porque es más que conocida, hablaré como me pide el cuerpo, desde la vivencia de aquellos días, de cómo lo recuerdo y como este álbum y esta banda me ha acompañado todos estos años, obviamente haré un poco de repaso del contenido de este inmortal álbum. De hecho, entonces, todo era más lento, las cosas se salían de madre, pero podías seguir todos los movimientos. Tenía que ser hacia noviembre de aquel año cuando escuché por primera vez el "Smells like a Teen Spirit" y seré más que sincero, me impresionó poco. Lo que si me impresionó era el efecto en gente que me era muy próxima y que, sin nunca haber escuchado punk, noise, no-wave, se hacían adictos al álbum, se hacían adictos a una sola canción, de hecho también lo explicaba Thurston Moore de los Sonic Youth, que él se paró en una gasolinera perdida en medio de la nada y el chico que dispensaba combustible la iba canturreando, la última persona que esperaba que supiera de ellos y entonces supo que serian grandes. Es el que me pasó en la primavera del 1992, donde asistí en compañía de un amigo de entonces a un concierto donde gente muy famosa y del "mundillo" hacían versiones de grandes músicos. Pues en el camino de ida y de vuelta no paró de ponerme una y otra vez el "Smells...". Curiosamente en el documental Live! Tonight! Sold Out!! el mismo Kurt Cobain se queja amargamente de esto, que parecía que ellos fueran una jodida banda "one hit wonder" y no un grupo que estaba cambiando literalmente la dirección de la música, obviamente son problemas derivados de la canción del año y de la década. Me compré el CD y por supuesto, no eran un grupo de un single vendedor y había mucho más y que ahora os comento. "Smells like a Teen Spirit", pocas cosas se tienen que decir de esta canción, se han hecho muchos de estudios sobre ella, sobre si era muy sencilla, si era así o era asá, recuerdo a muchos cabrones, cuando pasó la muerte de Kurt, hicieron un documental creo que en el Canal 33, algunas mentes pensantes de aquí Catalunya decían que lo que hacía era sencillo de realizar, que si no sabía cantar, que solo sabía gritar, se tiene que ser muy corto para atreverse a decir estas gilipolladas. Lo que hizo Kurt y compañía es volcar en el tema toda la rabia punk, toda la desesperación de una generación en unas líneas de canción y si, un tema actualmente no solo es lo que está escrito en un pentagrama, son otras muchas cosas y que muchos todavía se creen que son solo unas notas musicales.
Smells like a Teen Spirit - Nirvana
""Come as You Are", este tema es el primero en que los vi en formado videoclip y realmente no me podía creer que esta pandilla que sale hubieran revuelto todo el panorama musical. Después los acusaron de plagio, porque este tema se asemeja mucho a uno que se llama "Eighties" de la banda Killing Joke, pero finalmente no hubo juicio al respecto. Desgraciadamente en la letra hay fragmentos premonitorios de lo que pasaría en el año 1994.
Come as You Are - Nirvana
"Lithium", creo que es una canción más que brillante, con este no-estribillo, combinando magistralmente la parte más tranquila y la más furiosa, con un puente que nos acompaña hasta el final. Y os pongo la canción en su versión en los Premios MTV del 1992, donde despliegan toda su artillería hasta el final y enviando un regalito envenenado a Axl Rose de los Guns N' Roses.
Lithium - Nirvana
"Polly", tal como comenté en el post de Pearl Jam (➜ AQUÍ) hay incidentes más que terribles y que se han materializado en canciones inmortales. Y es el caso de "Polly", un tema donde se relata la violación de una chica desde la perspectiva del violador. Les contrajo problemas, porque un atajo de desgraciados cantaban este tema mientras violaban a otra chica. Con todo, un tema más que notable, saliéndose del habitual rabia punk y yendo por el camino acústico.
Polly - Nirvana
"Territorial Pissings", con una intro del Krist Novoselic a la voz, es un tema rápido, destructivo, yendo a toda velocidad, que se encalman un poco las guitarras en el puente para después retomar la marcha de martillo neumàtico de Dave Grohl y Kurt casi quedándose sin voz.
Territorial Pissings - Nirvana
"Lounge Act", uno de los temas medio escondidos entre tantos de emblemáticos que siempre me ha gustado. Es un medio tiempo con un fondo de guitarras repetititvas, un excelente bajo y un final con Kurt desgañitandose. Es un tema redondo, que funciona como un reloj. Maestría!!
Lounge Act- Nirvana
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"Something in the Way", relato de la vida bajo un puente, con una inquietante guitarra, con un triste violonchelo, el mito dice que en Kurt se pasaba días bajo un puente cuando no tenía donde ir, aunque esto es más mito o almenos le sirvió para componer esta tonada inmortal.
Something in the Way - Nirvana
Que decir, de aquellos años, uno lo vivió muy de cerca, todas las idas, venidas, todo el mito alrededor de Kurt y que literalmente se comía la banda. Habría podido ir a verlos en la gira del In Utero, incluso hablé con el amigo de un amigo mío que él sí que fue, sin que nada más me venga a la mente. Lo que si que recuerdo es la muerte de Kurt en 1994, porque había ido de viaje por Andorra y Francia y justo al volver, todos los noticieros iban llenos. Para muchos, incompresible, para algunos hay muchos puntos oscuros, pero la desgracia es que nadie lo pudo evitar. Mi último recuerdo fué en Barcelona, el abril del 2014, cuando se cumplían 20 años de la muerte de Kurt, estando en una Avinguda del Paral·lel en obras y aquí es donde nació un poema mío que le dediqué y que muchos de mi generación le debemos. Que suene otra vez el Nevermind y reflexionad!
Un álbum en heréncia para ir al espacio y más allá
Paradigmático diría yo, que es este disco. Un día antes de que Nirvana presentara su álbum más importante, Pixies, todo un referente del indie y del rock más alternativo y una inspiración troncal para Kurt Cobain y compañía, lanzaban su quinto trabajo que seria a la postre, el último después de una carrera meteórica y que después, estarían más de doce años en silencio. Hagamos un poco de historia. Dos estudiantes de la Universidad de Massachusetts Amherst, Joey Santiago y lo Charles Michael Kitteridge Thompson IV, conocido como Black Francis empiezan a componer canciones a mediados de los 80 combinándolo con los estudios universitarios. Black Francis hace un viaje de intercambio de estudiantes a Puerto Rico, que será muy inspirador y que hará referencia en los primeros trabajos de Pixies. Poco después se unen al conjunto Kim Deal al bajo y David Lovering a las baquetas y empiezan a tocar en los locales de Boston. Fichan para la discográfica independiente 4AD y sacan en 1987 Come on Pilgrim, un mini LP que mayoritariamente habla Black Francis sobre su experiencia en la Isla de Encanta. Ya asentados y sin parar, el año siguiente sacan su despegue definitivo con Surfer Rosa, empiezan a girar en el Reino Unido, en Europa y su crecimiento es exponencial. Y se confirman como uno de los grupos independientes de referencia con Doolittle, con temas que son ya clásicos, como "Gouge Away", "Tame", "Monkey Gone tono Heaven", "Hey" o "No. 13 Baby". La banda va muy deprisa, grabando, girando y volviendo a grabar y las tensiones se disparan sobre todo entre en Black Francis y Kim Deal. A pesar de hacer un pequeño descanso, en 1990 vuelven a grabar, en este caso, su álbum más irregular, Bossanova, con todo se abren a más temáticas, aparte de las habituales de Black Francis como eran el sexo y la religión, aquí tocan la ciencia ficción y el imaginario del misterio, como son "The Happening" o "Is She Weird" y también hay cierto tono existencial como en "Dig for Fire". Solo referenciar, que en el ámbito de aquí, quizás fue el grupo independiente que dejó más huella para las bandas que se formaban a las postrimerías de los 90, eran como un pequeño clásico contemporáneo y que estaban en boca de todos. Y llegamos al año 1991 con este Trompe le Monde y que os haré un repaso por encima. Una de las cosas buenas en las bandas de música es que evolucionen y viendo el material de este es muy diferente de su primer trabajo, aquí el tema de la ciencia ficción, del misterio, de teorías alienígenas, casi acapara todo el álbum. Despegamos con el tema que da nombre al disco, "Trompe le monde" que en francés significa "Engaña el mundo", ciencia ficción, fantasía e ir de compras, es este tema. "Planet of Sound", canción que arranca con la voz de Black Francis tratada y con una maquinal y brutal bajo que desenboca en unos acordes de guitarra de puro hard rock. Vamos bien.
Planet of Sound - Pixies
"Alec Eiffel", un encantador single que nos lleva al imaginario de las postrimerías del siglo XIX con un inventor tipo Jean Robur verniano. Genial letra, genial tema basculando entre rock y la "Belle Èpoque" y diciendo: "Él pensaba en grande y todos decían que era fálico".
Alec Effiel - Pixies
"Head on", versión del tema de los The Jesus & Mary Chain, quizás el mayor mérito sea que suene a Pixies y no se diferencie demasiado de cómo es el original de los hermanos Reid.
Head On - Pixies
"U-Mass", los Pixies apropiándose de unos acordes que habría firmado el mismísimo Angus Young y que llenan casi la mitad del tema. Un tema rítmico, potente y que rememora los tiempos en la Universidad de Massachussets, educándonos a base de palabrotas y observando la naturaleza en primavera. "Palace of the Brine", sin lugar a dudas una de las joyas escondidas de este álbum y que no hubiera desentonado nada en el Dolittle, geniales los coros y el estribillo.
Palace of the Brine - Pixies
Aclarar que la montaña que se refiere en "Bird Dream of the Olympus Mons", no es la montaña griega sino el volcán que hay en Marte, como bien aclara en una presentación Black Francis. Y os dejo un montaje hecho con el tema traducido por youtuber "unarrosalforn" que ha subtitulado muchos temas de los amigos de Boston y que os aclara más o menos por donde va la dirección de la tonada.
Bird Dream of the Olympus Mons - Pixies
"Subbacultcha", unas notas que parecen sacadas del Surfer Rosa, una marcha de apisonadora, de trituradora y que el Joey Santiago se recrea sobre este perfecto bajo de la Kim y la excelsa batería de David.
Subbacultcha - Pixies
Y "Motorway to Roswell", retomando en parte, todo el imaginario que inició el señor Black Francis en "The Happening" del Bossasnova, donde explica desde el punto de vista del alien, los hechos ocurridos en Roswell el año 1947. Decir a modo de curiosidad, que los últimos pasajes de este tema suena un piano, tal vez el único en toda la discografía de los Pixies.
Motorway to Roswell - Pixies
Tras el lanzamiento de este disco se dedican a girar, a pesar de que las tensiones dentro de la banda ya eran muy fuertes. A finales del 1992, Black Francis decide disolver la banda de forma fulminante, vía fax. Posteriormente se arrepintió de obrar de una forma tan brusca. Estarían doce años en silencio hasta que en 2004 se produce el reencuentro y vuelven a salir de gira, pero no sacan disco nuevo, todo parece indicar que la Kim Deal se oponía, el resultado es que el 2013 es expulsada y es sustituida por la argentina Paz Lenchantin, que da estabilidad a la banda y al final pueden grabar hasta el día de hoy, tres álbumes más. Y han seguido girando y que por muchos años sea! Saludos cósmicos!
Tengo afecto a esta banda, iluminaron algunos pasajes en mi camino por los años 80 y me dolió mucho este álbum, para mí su peor disco, intentaré ser razonable, ecuánime, con ojos del siglo XXI y hacer una crítica lo más ajustada posible. Los Smithereens debutaron con dos álbumes más que notables como son Especially for You y Green Thoughts, álbumes con un evidente sabor retro, pero que en manos de un gigante de la producción como es Don Dixon pudo equilibrar toda la parte nostálgica y se hicieron unos álbumes que a ojos alternativos eran más que aceptables. Sólo decir que Kurt Cobain mientras trabajaba de transportista se empapó bien de todo el pop del Especially for You y que él mismo reconoció. Para mí las cosas se empezaron a torcer con el siguiente disco, 11. No es un mal álbum, pero aquí cambiaron de productor y empezaron a forzar toda su vertiente más pretérita y deudora. En efecto, los Smithereens son una banda de fans, unos fans acabados de los Beatles, de la British Invasion, de los Beach Boys, de la Motown, de todos los grandes nombres en el rock y en el pop de los 60 y 70 y me parece bien, pero para crear necesitas algo más que saberte todos los acordes que emplean los Rolling Stones. Y es cuando llegamos al disco que analizamos hoy y además, en unas fechas muy paradigmáticas, lo sé, utilizando el recurso del toro pasado, de ver las bandas, las fechas, los singles, todo lo que seguro que Mike Mesaros y los demás no olvidarían. Así pues, que es este disco? Pues es una mirada atrás, es querer ser un beach boy, un fab four, una ronette y no saber que la historia de la música estaba a punto de dar un giro de guión bien sonado. Se dejaron llevar por sus gustos y se vieron todas las costuras, todas sus influencias quedaban al descubierto y ojalá les hubiera servido, pero lo que pasó es que parecía una banda anclada en el pasado y la historia, inmisericorde, los pasaría por encima en cuestión de días. No ayudó nada el productor, el Ed Stasium, que quizá para otras bandas hubiera funcionado, pero en el caso de la banda de Jim Babjak fue muy contraproducente. Duele, porque el cantante y creador de casi todas las canciones como es Pat DiNizio es, era y sigue siendo todo corazón, con una voz muy especial, duele porque a la postre la banda ya no podría aspirar a más. Hacemos un poco de repaso de este trabajo. De todo lo dicho antes, este álbum se inicia de manera más que obvia, más esclarecedora, como es la primera canción y el primer single, "Top of The Tops", un homenaje a los charts, a los temas que servían para atraer y para vender vinilos. Un tema que también es paradigmático, quiere ser mitad y mitad de rock y pop, con un estribillo pegajoso y repetitivo. Es incluso divertido, es como hornear un pastel para María Antonieta mientras las pescaderas revolucionarias ya están muy cerca de Versalles. O el mismo, un single que quiere ser rock, quiere ser surf, quiere ser pop y el resultado es bien escaso y se pierde por el camino.
Top of The Tops - The Smithereens
"Too Much Passion" es un homenaje al soul, también a las grandes orquestas al servicio de los crooners, pero que personalmente encuentro la canción muy intrascendente, con un estribillo sin emoción. Decían en la película "24 Hour Party People" que cuando una banda rockera se liaba a hacer jazz es que ya no tenían nada que decir y que musicalmente estaban sin norte y es lo que pasa con este segundo single, que hay un buen soporte instrumental pero no es un tema para lanzarlo como sencillo, es más bien un tema de relleno.
Too Much Passion - The Smithereens
"Tell Me When Did Things Go So Wrong" es un ejemplo perfecto de cómo el anterior álbum, 11, tuvo una descendencia nefasta. Rock en bruto, yendo a todo gas, con este punto en el que los Smithereens se saben manejar muy bien, que es hacer una canción pop con una buena pátina de rock, pero fallan, no la acaban de resolver bien, les da igual este tema, a los pocos minutos te olvidas que existe. Algo parecido ocurre con "Evening Dress", una canción que parece querer emular a "Blue Period" o "María Elena", tema que camina despacio y se hace eterna. Tenemos por fin, una canción que está muy bien realizada y que sin lugar a dudas habría sido un gran primer single y con éxito asegurado, es inexplicable la elección de tonadas para promocionar el álbum, porque "Get a Hold of My Heart" es un grandísimo tema, lo mejor de la cosecha del 1991 de los Smithereens. Reconozco que las veces que me he puesto a escuchar el Blow Up voy a piñón fijo y hasta hace muy poco no he descubierto toda la dimensión de esta canción. Coescrita junto con Diane Warren, tiene un sobresaliente soporte orquestal, extraordinariamente arreglada, con un gran trabajo en la voz de Pat DiNizio y el estribillo magnifico con la Diane y encima, esta composición tiene dos puentes, que no malogran en nada la composición, al contrario, la realzan. Escuchadla y decidme que pensáis.
Get a Hold of My Heart - The Smithereens
Donde en el anterior tema estaba todo acertado, en "Indigo Blues" hace aguas por todas partes. Sí que hay un magnífico trabajo con el órgano, con los vientos y el solo de Jim Babjak no está mal, pero todo lo demás es más que discutible, un estribillo que produce cansancio y encima es más que machacona, unos coros que no resultan y con una parte final confusa, es como si no hubieran encontrado la manera de terminarla. No sé si es de las peores composiciones del combo de New Jersey, pero seguro que nadie tiene demasiadas ganas de recordarla. "Now and Then", canción compuesta por Jim Babjak vuelve a pecar de todos los males de este disco, que se hace eterna, repetitiva y no acaban de coger el tono. "It 's Alright" otro tema que parece descartado de las sesiones del 11, suena potente, con un buen solo a cargo de Jim y los coros están acertados, pero no deja de ser el típico tema power pop de siempre, el puente no me convence, se hace demasiado largo y la canción se resiente. En cambio "Girl in Room 12" está bien resuelta, suena firme, compacta y con un ritmo imparable, con un buen trabajo con la guitarra y para mí es la segunda mejor canción del álbum.
Girl in Room 12 - The Smithereens
Llegamos al final con "If You Want the Sun to Shine", coescrita junto con Julian Lennon. Antes ya os he advertido de la querencia retro de nuestros amigos y aquí fueron muy lejos con sus filias y como habréis adivinado, aquí no se trata de que suene a Julian Lennon, se trata de ponerlo como excusa para que suene lo más Beatles posible. Yo creo que el hijo de John Lennon no sabía dónde se metía cuando Dennis Diken y compañía lo llamaron para grabar y se tendría que haber negado en redondo. Escucha y reflexionad.
If You Want the Sun to Shine - The Smithereens
Este disco fue un fracaso en comparación al resto de lanzamientos de esta banda y la compañía discográfica ya estaba preparando su salida después de los malos resultados de este trabajo. El Grunge llegó para quedarse, justo en 1991 y muchas bandas quedaron obsoletas ante el nacimiento de nuevas formaciones o las que aprovechaban la ola para hacer escalar las ventas. Este fue el caso de los Smithereens que quedaron descolgados, a pesar de la solvencia de su carrera. Hicieron luego dos álbumes más, A Date with The Smithereens y God Save The Smithereens dos álbumes mejores que el Blow Up pero ya era demasiado tarde, la banda hizo un descanso a partir del 2000 y hasta el 2007 no volverían a grabar, ya con una dirección más nostálgica y aprovechando la base de fans que tienen en América. Por último, lamentar la muerte de Pat DiNizio en 2017 y que le rindió homenaje (➜ AQUÍ). Smithereens, en recuerdo, con nostalgia y reivindicando las canciones, aunque no siempre lo hicieron perfecto.
