El pasado mes de febrero, tras la publicación de un tema que afirmaba que el rock había muerto, anuncié en Facebook que desde EL PROFETA ESTUDIANTE habría una respuesta, y hoy es el día. No sé cuántas veces se ha intentado matar al rock, no sé si por aburrimiento, por repulsión, por lo que representa o quién sabe por qué, pero desde luego no lo lograrán ni en sus sueños más salvajes. Yo, desde que nací en los lejanos y míticos 60, lo he escuchado toda mi vida y, naturalmente, con respeto y admiración hacia otras músicas y estilos musicales, aunque al principio no los entendiera o no me gustaran, pero que ahora, después de unos años, la mayoría de la música que escucho merece mi respeto, porque la he estudiado, la he escuchado y sé lo que cuesta componerla, interpretarla, hacerla viva y mantenerla. Lo que no es aceptable es matar de un plumazo un estilo, una corriente musical, una vertiente para escuchar. Amigos y amigas, el rock no solo ha sido unas notas en una guitarra o en una batería, el rock cambió la música, la cultura y también la forma en que se contemplaba la vida. Me pregunto, ¿merece esto morir y por qué? ¿Se imaginan a un músico de jazz proclamando a los cuatro vientos que la sardana ha muerto? ¿O que un corriente pop grite que desaparezca la música tradicional y folk? ¿O que los cantantes de ska lleven a la hoguera violines y celestas porque son productores de música clásica desfasada? Tonterías por un tubo, prejuicios a toneladas y muy poco respeto hacia músicos, melómanos y mucha gente implicada en una música que cambió el mundo, así de claro. Y desde mi altavoz, defenderé el rock, el pop, incluso estilos que personalmente no me entusiasmen, pero que merecen vivir por los siglos de los siglos. ¡SALUDOS Y ROCK AND ROLL!
Hace unos tres años os comenté el desastre que significó el álbum Blow Up para nuestra banda de Nueva Jersey (➜ AQUÍ) y encima, fue lanzado tres minutos antes de que el grunge irrumpiera con toda su potencia y arrasara con todo lo que se le pusiera delante. No solo eso, esta nueva corriente alternativa representó un nuevo paradigma para las discográficas y eso significaba que tenían que hacer borrón y cuenta nueva y descartar a las bandas que a su parecer, ya no encajaban. Nuestros amigos fueron víctimas de estos mierdosos movimientos de marketing, además, con un álbum ya grabado que no aparecería hasta el 2022. No nos engañemos, Pat DiNizio y los suyos tienen unos parámetros más que reconocibles en rock y en pop, por eso fue tan desastroso elegir a Ed Stasium como productor y por extensión, su trabajo del 1991, porque se recreó en coordenadas recorridas mil veces. Y a pesar de las dificultades, lograron encontrar una nueva compañía, recuperaron a Don Dixon como productor que tan buen resultado les había proporcionado en el pasado. ¿Y qué salió de todo esto? Pues en mi opinión este álbum es lo mejor que parieron en los 90 y el tercero en mi ranking de preferidos de la trayectoria de esta banda, donde tenemos canciones más que memorables, donde no abundan los momentos flojos e incluso, hay dos temas bastante polémicos, ¡lo cual sí que es una novedad! Jugando un poco con el tiempo y especulando un poco, este trabajo lo deberían haber lanzado en 1990, porque es una continuación natural del Green Thoughts, qué le vamos a hacer. ¡Vamos allá, hagamos un repaso de las canciones! Sorprendentemente, para arrancar este trabajo recurren a un comienzo similar al 11, con temas potentes, en este caso son una triada: "War for My Mind", "Everything I Have Is Blue", "Miles from Nowhere". No están mal y tienen el estilo inconfundible de la banda de Nueva Jersey, yo me quedaría con el que va en segunda posición, me recuerda remotamente al "Only a Memory", aquí os dejo cómo la interpretaron en el programa de Jay Leno, donde la interpretan de forma fiable y contundente.
Everything I Have Is Blue - The Smithereens
El sencillo elegido para abrir fuego y a la postre, el único del álbum fue "Miles from Nowhere", para mí, una elección equivocada, no está mal, pero no tiene gancho, es imposible que se puedan romper listas haciendo lo mismo de siempre.
Miles from Nowhere - The Smithereens
"Afternoon Tea", uno de los puntos más bajos del álbum, recuerda demasiado a los temas lentos del 11 y el Blow Up, un corte totalmente prescindible. Por suerte y a partir de aquí es donde encontramos a los Smithereens de los grandes momentos, con "Point of No Return", tema de Jim Babjak, que nos muestra a una banda que sabe poner un estribillo, que sabe hacer un medio tiempo memorable, donde la maquinaria heredada de The Beatles funciona con precisión milimétrica.
Point of No Return - The Smithereens
Con "Sleep the Night Away", es un tema que transita con momentos rockeros y otros más lentos, con ese toque "swing" y a la vez pesado y potente. "Love is Gone" otro tema escrito por Jim Babjak, marca personalmente, el punto álgido del álbum, donde nuestros amigos dan una lección a todos los aspirantes a rockeros de cómo hacer un tema compacto, rockero e inolvidable y donde nos dicen que todo se ha vuelto violento y que algo tan necesario como el amor, se ha ido. ¡Magnífica, gigante!
Love is Gone - The Smithereens
Y se sigue con un tema bien firme como es "Long Way Back Again", con la recurrencia que Pat imprime en las letras con temas de desamor y desesperanza, donde siguen cimentando el álbum.
Long Way Back Again - The Smithereens
Llegamos a los puntos polémicos, primero, dedicando un tema al mafioso John Gotti y que ya comenté en un artículo (➜ AQUÍ). Yo creo que Pat no debería haberse metido en este embrollo de esta manera y menos, pedir la liberación de este señor. La otra tonada polémica es "Sick of Seattle", donde sin miramientos critican la escena grunge, puedo comprender a Pat, una situación que también ocurrió en los años 70 con las bandas consolidadas del rock y la irrupción del punk. Santa paciencia, Sr. DiNizio.
Sick of Seattle - The Smithereens
Y este álbum se remata con "Life Is So Beautiful", un tema con toda la carga de ironía en el título, describiendo las promesas rotas y entonando el "mea culpa" por los errores cometidos. Un tema lento, pero sólido, con una omnipresente armónica que va acompañando la tristeza del protagonista.
Life Is So Beautiful - The Smithereens
A pesar de las expectativas, este disco vendió poco y a la discográfica le faltó tiempo para despedirlos y de hecho, no volvieron a grabar hasta cinco años después, con un sello independiente. Por suerte para ellos y en el presente siglo, los fans, nunca los hemos olvidado y de giras siempre tuvieron y aún tienen, pero eso, ya es otra historia.
Recuerdo cómo explicaron el título de este álbum, parece que algunos miembros de la banda utilizaban herramientas para lanzar proyectiles de cobre como un juego de adolescentes, a gente que los intimidaba, de travesuras que iban más allá. Amigos, estamos ante uno de los grandes álbumes de aquel año, con un montón de cortes que eran potenciales singles, con gente muy joven que se encontraron de repente, que a partir de ese año serían referentes para miles. Hagamos un poco de historia. Un grupo de amigos y conocidos de York, Pensilvania, Patrick Dahlheimer (bajo), Chad Gracey (batería), Chad Taylor (guitarras) y Ed Kowalczyk (voz principal, guitarras) inician la banda a mediados de los 80 y logran grabar un primer EP y al año siguiente lanzan el Mental Jewelry, que fue producido por un viejo conocido, Jerry Harrison, exmiembro de Talking Heads. Con este álbum comienzan a hacerse grandes y será con el álbum que hoy os presento su salto definitivo, una mezcla explosiva de comercialidad, conciencia oriental y con elogios de la crítica que los tildaban de unos nuevos U2 o unos nuevos R.E.M., que desafortunadamente no sería así. Hagamos un poco de repaso a este álbum. El álbum se inicia de forma majestuosa con "The Dam at Otter Creek", con unos primeros compases líquidos y lejanos, con un crescendo con Ed aullando, la canción podría hablar sobre los juegos y las travesuras que se hacen de joven y que no siempre se sale vencedor o feliz, es como una reflexión sobre la inconsciencia de cuando empezamos a dar los primeros pasos en esta vida.
The Dam at Otter Creek - Live
Yo creo que "Selling the Drama" es el tema más famoso de esta banda; por el mensaje que transmite, incluso personalmente tengo mi teoría, parece ser la antítesis de lo que decían los Nirvana en sus letras y es muy fácil, solo tenéis que confrontar las letras de unos y otros y veréis de dónde sale esta reflexión propia. Es un corte donde se incita a la superación a pesar de las cicatrices y las putadas, las humillaciones y el dolor que conlleva vivir en ese mundo, salirse como individuo y alejarse de actitudes gregarias. Uno de los grandes temas de aquel inolvidable 1994, un éxito instantáneo, solo tenéis que ver la reacción algunos de los que escuchan este tema por primera vez, es la misma que teníamos nosotros entonces.
Selling the Drama - Live
Otro éxito, otra canción irresistible es "I Alone", también es una tonada con varias lecturas, por una parte quizás una canción de amor, como también y que en "Selling the Drama" se incide también en ello, que se debe tener amor por uno mismo y poder sortear el destino y no quedarnos con los impulsos primarios o ilusiones adolescentes.
I Alone - Live
Para mí, "Lightning Crashes" es la cima de este álbum y quizás de toda la carrera de Live, definitivamente te sumerge en límites paradójicos que en el siglo XX nos abocaban a reflexionar sobre ello. El tema se basa en una chica conocida de la banda que murió en un accidente por culpa de un conductor borracho y que gracias a la donación de sus órganos, mucha gente pudo vivir. Unos que viven, otros mueren, te hacen pensar mucho, porque de forma cercana o lejana, todos hemos visto vidas segadas muy pronto. Un tema que es emoción pura, un videoclip que nos traspasa a todos el corazón.
Lightning Crashes - Live
Con "All Over You" nos invitan a estar en comunión con nuestro entorno, con sus flujos y reflujos, muy en sintonía con el pensamiento de Ed, un estudioso de las filosofías orientales. Otro tema ganador y carismático.
All Over You - Live
A partir de aquí el álbum levanta el pie del acelerador, pero que mantiene el tono con "Shit Towne", donde plasma la situación de estar rodeado de gente con adicciones, donde las calles se transforman en estercoleros y que el autor quiere escapar como sea.
Shit Towne - Live
Live con "T.B.D." hace un ejercicio más que diligente, donde las guitarras se acercan mucho a los U2 del 1987, con un tono calmado y susurrante hasta que desemboca en la parte final con Ed gritando a todo pulmón. En "Stage" es todo lo contrario, un tema rápido y urgente donde la banda va a toda velocidad. Con "Waitress" es como nos ilustran el trabajo mal pagado, la miseria que es tener que arrastrarse por los malditos billetes. Como curiosidad, se da la circunstancia que Ed interpretó a un camarero en la película "El club de la lucha" del 1999.
Waitress - Live
Nuestros amigos de Live continuaron en 1997 con Secret Samadhi, que a pesar de hacer unos buenos números ya no se acercaba ni de lejos con toda la épica del disco que hoy os he comentado. Con todo, Live continuó grabando, con trabajos recomendables, incluso el año 2008 grabaron en el Paradiso de Amsterdam un gran directo como ya os comenté (➜ AQUÍ). Después han venido peleas entre los miembros, Ed se quedó con todo y expulsó al resto de componentes, pero con una reunión no hace demasiado de los miembros originales. La vida da muchas vueltas y tampoco nuestros amigos músicos no la esquivan. ¡Disfrutadlos!
A pocos días de que este artículo vea la luz, lo he vuelto a escribir y reescribir. Es muy fácil dejarse llevar por la "morbo" y la especulación recordando esos días de abril de 1994, apenas una semana después de que el esposo de Courtney Love decidiera abandonar este mundo y justo cuando el álbum que recordamos hoy salíera a la luz. Claro amigos, podemos ponernos como queramos, pero quiero centrarme en la música, lo que ha representado 30 años después y cómo la banda de esta señora supo renunciar a una parte de la agresividad que arrastraba su primer trabajo, construyendo melodías que han resistido sin problema alguno todo este tiempo. Todo el proceso de este disco estuvo rodeado de rumores y especulaciones constantes, de si superaba en calidad al hecho por Nirvana, si se había pagado mucho más, etc., etc. y más etc. y por supuesto, la señora Love los alimentaba, no hace falta ser un Freud para verlo y como dicen en algun sitio: "Por sus actos los conoceréis". Dejemos los chismes y vayamos a lo importante, a desglosar el segundo álbum de Hole, ¡vamos allá! "Violet", tema que da el pistoletazo de salida, donde ya encontramos una constante de todo el álbum, donde se entrelazan partes tranquilas con otras de rabia eléctrica y también en la voz, a veces calmada, otras, gritando. Y en este primer tema se combinan a la perfección.
Violet - Hole
"Miss World", fue el single de presentación y donde podemos replantearnos si es un tema comercial, en realidad nos presenta a Courtney frente al espejo, que para llegar arriba, tuvo que hacer sacrificios y una cierta tristeza supura por hacer como lo hizo, pero en realidad sabía que no había otra manera, pero que tampoco a nadie le importa.
Miss World - Hole
"Plump" es un rock acelerado que discurre entre un riff bastante potente y Courtney yendo a por todas, donde vislumbramos una primera referencia hacia Kurt Cobain, el hecho de ser madre y todo lo que conlleva. "Asking For It" es una power ballad que arranca con un bajo contundente y donde la señora Love no puede evitar gritar y como es la tónica del álbum, va alternando las partes más pausadas con las más desenfrenadas. Uno de los puntos culminantes de este álbum lo alcanza con "Doll Parts", donde la temática que nos mostraba en "Miss World" aquí nos la refuerza y expande, que "ella quiere quedarse con el trozo más grande del pastel", a pesar de estar expuesta y que todos la apuñalarán por ello. Hay muchas cosas que podría criticar de la señora Love, lo que es cierto es que ella se vuelca en lo que hace y nos lo muestra de la forma más real y descarnada.
Doll Parts - Hole
"Softer. Softest", la tonada más serena del disco, con nuestra protagonista autoinculpándose, donde la parte maternal cobra vida de nuevo y que de lecturas puede tener muchas, tanto en lo que se refiere a su hija como incluso con el último trabajo de Nirvana, donde la temática de bebés y lactancia también es abordada. "She Walks On Me" es un tema que me encanta y que al principio te sorprende porque se inicia con una intro psicodélica para luego poner la directa con una Courtney enloquecida y toda la banda siguiéndola de forma histérica y destructora.
She Walks On Me - Hole
Encarando la parte final nos encontramos con "Gutless", una descarga punk, donde Courtney se explaya con un mitin sobre la revolución, sobre qué cobardes somos, que ella estará jodida, pero tú, bajo su atenta mirada, lo estarás más. Y se cierra el disco con "Rock Star", la visión que tenemos ya de mayores sobre la escuela primaria o secundaria, aquí la protagonista parece llamar a la alumna que era para que escape del mierdoso ambiente que se respira. Hay que recordar que en una de las escenas más divertidas de la película de Bernardo Bertolucci, "Belleza robada", nos encontramos a Liv Tyler desgañitándose con esta canción.
Rock Star - Hole
En resumen, este es sin duda el mejor trabajo de Hole, donde hay un montón de temas muy merecedores de su revisión y podemos fiscalizar lo que ha hecho la señora Love, pero al menos tuvo el coraje de ser honesta y no ocultarlo, al contrario, lo grita durante toda esta magnífica obra. ¡Vuelve a escucharla y vuelve a disfrutarla!
No sé si cada año que pasa me gusta más el invierno, lo que tengo claro es que el verano se me hace muy antipático y todo parece indicar que no cambiará de postura este año. Y por eso, antes de que el último resquicio frío nos pase rozando la mente os pongo esta canción, de forma urgente, contemplando la danza desganada de la chica, dejando atrás los días cortos y brumosos, con este videoclip totalmente invernal, de una meseta melancólica y gris...
